Was bedeutet „Erde“ für dich persönlich?

Erde ist alles. Sie ist ein Spiegelbild des Lebens, das Netzwerk aller Verbindungen. Sie sendet mir ständig Zeichen für Leben und Überleben und verändert immer wieder meine Wahrnehmung von Zeit.

Worum geht es in Hafriyat – Earthwork?

„Hafriyat“ bedeutet Baustelle oder Ausgrabung. Das Werk untersucht das Verhältnis des modernen Menschen zur Großstadt – und IST zugleich eine Ausgrabung der eigenen Geschichte zwischen Kindheit und Erwachsenwerden. Im Mittelpunkt stehen dabei meine Erinnerungen an Istanbul und Berlin.

Welche Eindrücke und Klänge finden sich in der Musik wieder?

Man hört den Lärm einer Großstadt-Baustelle – insbesondere den Bauboom in Istanbul. Schlagwerk und tiefe Bläser sind eng damit verbunden. Auch die Baustellen Berlins spiegeln sich in abrupten Blockaden und Wendungen wider. Dieser äußere Lärm vermischt sich im Verlauf des Stücks mit einer inneren Unruhe.

Welche Rolle spielen Erinnerungen in deiner Musik?

Sie bestimmen oft den Grundton meiner Musik. Die Idealisierung von Erinnerungen und erlebten Geschichten ist für mich ein Leitfaden bei der Gestaltung von Klang und Rhythmus.

Was braucht ein Orchester, um Hafriyat überzeugend zu spielen?

Das Werk lebt von rhythmischer Virtuosität und einem stetigen Anstieg der Geschwindigkeit. Einzelne Motive können zunächst monoton wirken, sind aber Teil des großen Chaos-Klangs. Dafür braucht es ein waches Ohr – und ein waches Herz.

Wie verändert sich dein Werk, wenn es von einem Studierendenorchester gespielt wird?

Die Uraufführung wurde ebenfalls von jungen Musikerinnen und Musikern gespielt. Ich glaube sogar, dass das Werk genau diesen frischen und unvoreingenommenen Einsatz braucht, um wirklich zum Klingen zu kommen.

Dein Werk steht gemeinsam mit Reineckes Flötenkonzert und Holsts The Planets im Programm „Erde – Mensch – Kosmos“. Wie empfindest du diese Kombination?

Ich kenne beide Werke und finde diese Begegnung sehr spannend. Das Publikum wird eine vielfältige Hörerfahrung machen – und vielleicht entstehen dabei ganz neue Verbindungen zwischen den Kompositionen.

Was wünschst du dir, dass das Publikum beim ersten Hören mitnimmt?

Da bin ich ganz frei: Je unterschiedlicher und kontrastreicher die Eindrücke sind, desto besser.



Wenn Gustav Holsts Suite Die Planeten heute im Konzertsaal erklingt, wirkt sie erstaunlich modern. Kaum ein anderes Orchesterwerk des frühen 20. Jahrhunderts hat unsere Vorstellung davon mehr geprägt, wie das Weltall klingen könnte. Dabei geht es Holst nicht um Astronomie. Die zwischen 1914 und 1916 entstandene Suite schildert keine Planeten im wissenschaftlichen Sinn, sondern zeichnet musikalische Charakterbilder – und damit zugleich Skizzen menschlicher Erfahrungen.



Der englische Komponist Gustav Holst beschäftigte sich intensiv mit Astrologie. Aus den Ei­gen­schaften, die den einzelnen Planeten traditionell zugeschrie­ben werden, entwickelte er mit meisterhafter Orchestrierung sieben eigenständige Klangbilder und Atmosphären, die den einzelnen Sätzen ihren unverwechselbaren Charakter verleihen. Hinter ihnen stehen Themen, die uns Menschen seit jeher begleiten: Krieg und Frieden, Lebensfreude und Vergänglichkeit, Humor, Geheimnis und Sehnsucht.

Besonders eindrucksvoll beginnt die Suite mit „Mars, der Kriegs­bringer“. Ein unerbittlicher Rhythmus im ungewöhnlichen 5/4-Takt treibt die Musik voran. Die Klangsprache wirkt kalt, mechanisch und unaufhaltsam. Obwohl Holst diesen Satz noch vor dem Ersten Weltkrieg entwarf, empfanden ihn später viele beim Hören als beinahe erschreckend vorausschauend. Auch heute lässt sich seine Wirkung kaum losgelöst von den Konflikten unserer Zeit erleben.

Umso stärker fällt der Kontrast zur anschließenden „Venus“ aus. Die Friedensbringerin erscheint nicht triumphierend, sondern zurückhaltend und verletzlich. Schwebende Klänge, feine Farben und lyrische Melodien schaffen eine Atmosphäre der Ruhe. Frieden erscheint hier nicht als Selbstverständlichkeit, sondern als etwas Kostbares, Schwebendes, das bewahrt werden muss und offenbar schwer zu erreichen ist. 

Die folgenden Sätze zeigen weitere Facetten menschlichen Erlebens. „Merkur“ huscht leichtfüßig durch das Orchester, während „Jupiter“ mit seiner festlichen Ausstrahlung Lebensfreude und Gemeinschaft vermittelt. Seine berühmte Hymnenmelodie gehört zu den bekanntesten Passagen der gesamten Suite.

Einen besonderen Platz nimmt „Saturn“ ein, den Holst selbst als seinen gelungensten Satz betrachtete. Aus einer zunächst ruhigen, beinahe resignierten Melodieführung – sie erinnert an einen schwerfälligen Gang – entwickelt sich eine tiefgründige musikalische Betrachtung über Alter, Zeit und Vergänglichkeit. Am Ende steht jedoch keine Verzweiflung, sondern eine überraschend friedliche Gelassenheit.

Ganz anders präsentiert sich „Uranus“: Mit markanten Rhythmen, kräftigen Orchestereffekten und einer Portion Humor erscheint dieser Magier ebenso exzentrisch wie unberechenbar. Die Musik wirkt stellenweise fast wie ein überdrehter Zaubertrick.

Im abschließenden „Neptun“ scheint sich die Musik schließlich von jeder Erdenschwere zu lösen. Ein Frauenchor erklingt aus der Ferne, die Klänge werden immer leiser und verschwinden am Ende nahezu unmerklich im Nichts. Dieser Schluss zählt bis heute zu den faszinierendsten Momenten der Orchesterliteratur.

Vielleicht liegt genau darin die anhaltende Faszination von Die Planeten. Die Suite eröffnet einerseits beeindruckende Klangwelten, richtet den Blick andererseits aber immer wieder auf den Menschen selbst. Hinter den Planeten werden Gefühle, Hoffnungen, Ängste und Träume sichtbar. So wird die Reise durch das Sonnensystem zugleich zu einer Reise durch die vielfältigen Landschaften der menschlichen Seele.